• 31 décembre 2022

The Hunger » n’est pas seulement un chef-d’œuvre du cinéma érotique, c’est aussi un chef-d’œuvre du cinéma existentiel moderne.

The Hunger est glorieux. Il ouvre la voie à des dizaines de films de genre profondément romantiques qui suivront, à la tendance à l’érotisme des années 80 menée par un groupe de réalisateurs commerciaux faisant leur transition vers le long métrage à peu près à la même époque, et à la façon dont son style et son attitude ont alimenté la clique des « waver » de la génération X, des adolescents gothiques qui ont atteint leur majorité pendant l’administration Reagan. C’est en grande partie grâce à ce film que mes amis et moi avons usé nos vinyles Bauhaus et nos colliers ankh en argent, sept ans avant que Neil Gaiman ne présente son film de Robert Smith. The Sandman avec sa sœur portant une cheville, la Mort. De plus, La Faim est une porte d’entrée vers les films du réalisateur français Jean Rollin, qui est surtout connu pour une série de films de vampires érotiques et lesbiens réalisés dans les années 70, tous tournés d’une manière vaporeuse, parfois hallucinogène, et approuvés par un très petit public de fidèles.

Tony Scott n’a jamais été considéré comme l’artiste que son frère aîné Ridley était censé être. Cela avait probablement à voir avec le choix de ses projets – comme Top Gun, Beverly Hills Cop 2, et Jours de tonnerre – tandis que son frère Ridley récoltait des éloges, et finalement des Oscars, avec des films plus capiteux (bien que toujours très populaires) comme Alien, Les Duellistes, Thelma &amp ; Louise… et Gladiateur. Tony avait sa propre esthétique reconnaissable, cependant, et je pense que The Hunger, son premier film, est non seulement son meilleur film, mais il n’est pas exagéré de dire que c’est un chef-d’œuvre du cinéma existentiel moderne.

La Faim laisse entendre qu’il s’agit d’un film de vampires dès le début, avec un montage de grande qualité où l’on voit le chanteur de Bauhaus, Peter Murphy, brisant le quatrième mur, chanter le single phare du groupe, « Bela Lugosi’s Dead », derrière une grille métallique. Scott passe ensuite à des plans de deux singes de laboratoire, puis à nos héros Miriam (Catherine Deneuve) et John Blaylock (David Bowie), d’une beauté incroyable, qui traversent la foule vêtue de noir et repèrent un jeune couple branché (Ann Magnuson et John Stephen Hill) qu’ils inviteront dans leur maison caverneuse pour une petite fête privée. Deux séductions ont lieu. Les deux sont tournées dans un cadre chic et stylisé, hungry que son compatriote Adrian Lyne allait plus tard faire connaître au grand public avec son film 9 ½ Semaines et Attraction fatale – tous deux incroyablement sexy, tous deux se terminant par une saignée, les Blaylock se révélant être une sorte de vampire, se baignant (il n’est pas clair qu’ils boivent, à moins qu’ils ne « transforment » leur proie) dans le sang de leurs victimes, à la manière d’Elizabeth Bathory, afin d’atteindre l’immortalité. Tout au long du film, des flashbacks montrent Miriam et John à différents moments du passé. Ils suggèrent qu’ils sont là depuis longtemps et, alors qu’ils se douchent de leurs actes de la nuit, ils se promettent « pour toujours, pour toujours et pour toujours ».

Au moment de leur attaque, coordonnés semble-t-il entre eux et avec l’apogée sexuelle de leur partenaire/proie, Scott montre un singe de laboratoire attaquant son compagnon et le mettant en pièces. C’est un comportement aberrant, bien sûr, qui attire l’attention du Dr Sarah Roberts (Susan Sarandon), qui étudie le lien potentiel entre le sommeil et le vieillissement. Les singes sont les sujets de son étude et Scott, en établissant une distinction entre les actions de Miriam et John et celles des singes de Sarah, montre clairement que les vampires sont les sujets de l’étude de Sarah. son étude du comportement des primates. Entre les repas, les Blaylock passent leurs journées à jouer de la musique de chambre entre eux et avec une petite fille à qui Miriam donne des cours de violon, Alice (Beth Ehlers), mais John a du mal à dormir ces derniers temps et remarque des pattes d’oie dans le miroir. Il devient maussade et se cache dans leur chambre pour regarder les dessins animés Tom & Jerry. Il est en train de mourir. Scott le filme en longs plans, se perdant presque dans la luxuriance de la production, pour maximiser son isolement. Dans son vieillissement rapide et l’assimilation de celui-ci à une maladie, The Hunger présage le film de David Cronenberg La Mouche remake dans la façon dont un rebondissement de film d’horreur peut devenir poétiquement une métaphore du travail de l’amour. Toute histoire d’amour est une tragédie parce que toute histoire d’amour, à de très rares exceptions près, se termine par un partenaire qui regarde l’autre dépérir et mourir.

Visuellement, compositionnellement, La Faim est une merveille. C’est sans conteste l’un des plus beaux films américains des années 1980. Une scène où John tente d’obtenir de Sarah des réponses sur son état de délabrement rapide rappelle beaucoup, par son aspect, le film de Federico Fellini intitulé Toby DammitLe film est un film d’horreur, rempli d’infirmières et d’images religieuses, d’un éclairage noir profond dans un cadre institutionnel, de stars iconographiques passant comme des dieux dans ces salles de béton et de verre. Alors que John rentre chez lui, les rues sont peuplées d’autres infirmières, un peu comme dans le film que Jane Campion tournera plus tard… In the Cut – une ville comme un mot d’hôpital hantée par des fantômes, assaillie par des goules.

THE HUNGER DAYLIGHT NYC

Cela porterait des fruits fascinants à regarder La Faim avec le frère de Ridley Blade Runner de la même année : tous deux sont des œuvres d’art visuel inégalées ; tous deux ont été tournés en dérision par les critiques de l’époque, qui les ont qualifiés d’impénétrables et de prétentieux ; tous deux sont engagés dans une conversation sur les dates de conception et s’insurgent contre la mort de la lumière. La visite de John à Sarah ressemble à la visite de Roy Batty à Tyrell, un jeune homme souffrant du même type de maladie du vieillissement que John. Ils veulent tous plus de vie, mais le temps, si c’est une maladie, est invariablement fatal. Dans son désespoir, John, maintenant à un âge avancé grâce aux superbes effets de maquillage du grand Dick Smith, récolte la jeune Alice, soit pour retarder sa fin, soit simplement par perversité avant d’être trop faible pour le faire. C’est une atrocité d’autant plus grande qu’il ne parvient à rien. Il demande à Miriam de l’embrasser comme elle le faisait avant (juste la veille) et elle ne peut pas. Il lui répugne maintenant et il y a une tristesse extraordinaire dans la façon dont nos corps nous abandonnent. Mais Miriam n’aime pas être seule, alors elle séduit Sarah dans un plan séquence entre des rideaux qui s’envolent, comme une scène tirée d’un film de Jean Cocteau. Miriam joue Delibes au piano et le décrit comme une chanson d’amour entre deux femmes. « Vous me faites des avances, Mme Blaylock ? ». demande Sarah. Miriam répond « Miriam », et la bande sonore passe du jeu diégétique de Miriam à des sopranos qui poursuivent l’air comme un chœur angélique qui les emmène dans la chambre. On pourrait consacrer un volume entier à la façon dont le sexe est filmé dans cette scène : étrange, conscient de lui-même, un peu comme les rythmes du film de Peter Weir, « La vie ». Pique-nique à Hanging Rock dans lequel des lycéennes au seuil de l’adolescence sont avalées par la nature. Miriam veut de la compagnie et la question de la dernière moitié du film sera de savoir si Sarah acceptera une demi-vie de dépendance pour être aux côtés de Miriam, ou si elle rejettera ce genre d’existence comme n’étant pas vraiment une vie.

J’ai vu La Faim comme une chose quand on me l’a fait découvrir au lycée. J’étais déjà un enfant déprimé qui aimait des groupes comme The Cure et Siouxsie and the Banshees et qui avait l’habitude de porter des Doc Martens et des trench-coats noirs. Le film de Scott est devenu le point central du mélodrame romantique grandiose de mes amis et moi. Nous nous déplacions dans le monde en imaginant que nous étions des êtres immortels, mystérieux et puissants, et remplis du désir d’être connus et de ne pas être seuls.

La fin du film a été débattue et considérée comme déroutante. Sarandon a déclaré qu’elle était imposée par le studio et qu’elle était malheureuse car elle sapait la décision de Sarah de se tuer plutôt que de devenir un vampire. Mais je ne pense pas que ce soit le cas. Je ne pense pas que les quelques images finales sans paroles soient définitives du tout. Lorsque Sarah rejette l’invitation de Miriam à entrer dans l’obscurité, Miriam est engloutie par une pièce où se trouvent des cadavres en ruine, réanimés – les anciens amants de Miriam qu’elle a enterrés dans son grenier. Pour Freud, ce serait la partie de son inconscient où elle a décidé de refouler ses pertes. Elle est poursuivie dans une cage d’escalier et jetée en plein milieu vers sa mort présumée. Je ne pense pas que ce soit littéral, rien de tout ça. Je pense que, comme une grande partie du film, c’est un rêve ou une hallucination représentant non pas la séduction d’une éternité byronienne, mais la douleur du rejet et de l’abandon de ce type d’existence solitaire. Au moment où Miriam se retrouve livrée à elle-même, elle se retrouve avec les ombres de toutes ses déceptions passées. Avant de trouver la personne avec laquelle vous êtes censé être, chaque fois que vous rompez avec la personne qui était censée être la bonne, vous avez l’impression de manquer le dernier train d’une nuit qui s’approche à grands pas. Je ne pense pas que Sarah soit vivante à la fin autrement que comme une projection du chagrin ou du dégoût de soi de Miriam. Lorsqu’elle apparaît, florissante et magnifique, embrassant sa nouvelle petite amie, je pense que c’est le fantasme de Miriam de voir le monde continuer sans elle. The Hunger traite de la façon dont le temps s’écoule lorsque vos émotions sont exacerbées. Il s’agit de la fugacité de la beauté et de la vitalité de l’amour. Il s’agit de vieillir et si vous ne faites pas attention, de le faire tout seul. C’est incroyable.

Walter Chaw est le critique de cinéma senior pour filmfreakcentral.net. Son livre sur les films de Walter Hill, avec une introduction de James Ellroy, est maintenant disponible.

Leave a Reply

Votre adresse e-mail ne sera pas publiée. Les champs obligatoires sont indiqués avec *